Cursos, clínicas y talleres

Introducción al documental a través de sus formas cinematográficas.

Por Martín Solá

Duración 8 clases

Horario jueves de 19 a 22 hs. COMIENZA 6 DE OCTUBRE

Costo 500 pesos el curso completo ($250 por mes)

A partir del estudio histórico de diferentes obras fundamentales del cine-documental el taller profundizará en sus formas de construcción. Tiempo, espacio, sonido, montaje, luz, composición. Veremos como todos estos elementos están en función del desarrollo de la idea, relato, argumento.

Primera clase

Aquí nos adentraremos en un cine que privilegia a la persona, quien tiene un lugar central. Se estudiará el montaje narrativo, con historias en las cuales se pueden apreciar claramente el inicio, desarrollo y desenlace. En donde las acciones son guiadas por una lógica causa y efecto. Donde la construcción del relato no radica solo en el montaje sino también en los sucesos durante el rodaje. El hilo conductor entre las película es la unión de Flaherty con Grierson por medio de “Industrial Britis” y las búsquedas estéticas similares, resaltando los rasgos característicos entre ellos.
-Lumiere: Salida de la fábrica (los tres cortos en invierno, primavera y verano).
-Robert Flaherty: Nanuk, el esquimal (1922), Hombres de Aran (1934).
Como nexo entre Flaherty y Grierson “Industrial Britis”(1933)
-John Grierson: Drifters (1929).
-Alberto Cavalcanti: Mineros (1935).

-Joris Ivens: Tierra de España (1937), Lluvia (1929) y La Seina a rencontré Paris (1957).

Segunda clase

En esta clase estudiaremos la idea de cine de Vertov, en quién más que una historia se plasma el desarrollar de una idea, un cine que se construye en el montaje, en donde no hay una lógica causa-efecto. El hilo de unión entre las película será el de ser sinfonía de ciudades, una temática en donde existen claros conceptos cinematográficos en común. 
- Dziga Vertov: El hombre de la cámara (1929) y Entusiasmo (1931).. 
-Jean Vigo: A propósito de Niza (1930).. 
-Walter Rutman: Berlín, sinfonía de una ciudad (1927).

-Bert Haanstra: Glas (1958).

Johan Von der Keuken: Temps/Travail (2000).

Tercera Clase

En esta clase estudiaremos el trabajo de montaje con material ya filmado, de archivo. Veremos directores que lo hicieron por necesidad al no poder filmar lo que ya había sucedido y no deseaban ficcionalizar (Esther Shub). Otros que buscaron sacar la imágenes del contexto natural para releerla, analizarlas, (Crhis Marker). Y los que intentan rescatar imágenes que tienen un valor histórico pero permanecieron el la oscuridad (Jean Gabriel PPériot).
-Esther Shub: La caída de la dinastía Romanov (1927). Primer película que trabaja con material ya filmado como le dicen en inglés “Found footage”
-Artvazard Pelechian: Skizbe (1967). 
-Crhis Marker: El fondo del aire es rojo (1977) y El ultimo bolchevique (1967). 
-Jean Gabriel Périot: Eu elle ete criminelle / Nosotras también fuimos victimas. (2006).

Cuarta, quinta, sexta y séptima clase

Nos centraremos en remarcar las características generales de cuatro de lo movimientos más importantes dentro del cine-documental. Cinema véritè, Direct cinema, cine observacional y cine en primera persona. También veremos ejemplos de cómo la ficción toma elementos de estos movimientos y los hace propios.

Cuarta clase-Cinema véritè

Comizi d`amore (1965) de Pier Paolo Pasolini . 
Soha ( 1985) de Claude Lanzmann . 
La comuna (2000) de Peter Watkins. (Ejemplo de ficciónn con elementos de Cinema vèritè).

Quinta clase-Cine directo

Titicut Follies (1967) de Frederick Wiseman . 
San Clemente (1980) de Depardon .
Africa como te va con tu dolor (1993 y 1997) de Depardon.

Al oeste de los caminos de hierro (2003) de Wang Bing

Shadows (1959) de John Cassavetes como ejemplo del Direct cinema en la ficción. 


Sexta clase-Cine observacional

Tische (2002) de Víctor Kosakovski 
El este (1993) de Chantal Akerman

The train stop (La parada de tren) (2000) de Sergei Loznitsa

Poselenie/Settlement/Acuerdo. (2001) de Sergei Loznitsa

Jeanne Dielman (1975) de Chantal Akerman como ejemplo del uso de lo observacional en la ficción.

Séptima clase-Cine en primera persona

Diary (1973-1977) de David Perlov (Ejemplo de cine diario)
Reminiscencias de un viaje por Lituania (1973) de Jonas Mekas. (Ejemplo de cine diario).
Ni tsutsumarete (1992) de Noami Kawase.

Octava clase

Después de estos conceptos y movimientos comienzo con el estudio de aspectos formales dentro del cine-documental. Se hablará de la construcción del espacio, el personaje, el sonido y la fotografía.

Clase sobre la construcción del espacio:

- La ville Louvre de Nicolas Philibert de 1990.

-No cuarto da Vanda de Pedro Costa 2000.

-La casa de Sharuna Bartas 1997.

Construcción de Personaje:

-“Song el fotógrafo” de “Johan Van der Keuken de 1997.

-Gigi, Mónica y Bianca” de “Yasmina Abdellaoui” y “Benoit Dervaux 1998.

Sonido:

-El gran silencio de Philip Gröning 2006.

-Una vida humilde de Alexander Sokurov 1997.

Fotografía y composición:

-La leyenda de la fortaleza Suram de Sergei Paradjanov 1988.

“Mala Sangre” de “Leos Carax” 1986 en el travelling.

Nota: En esta clase también se estudiaran pinturas de Toros Rosin (pintor armenio), Piero della Francesca y Antonello da Messina.

Textos y apuntes que se entregarán en clase

-Elogio de Cine-monstruo. Libro: Ver y poder. Jean-Louis Comolli. Editorial: Nueva librería.
-Monifiesto documental. Libro: Ver y poder. Jean-Louis Comolli. Editorial: Nueva librería.
-Montaje Marker. Libro: Mystère Marker. Pasajes en la obra de Chris Marker. Edición María Luisa Ortega y Antonio Weinrichter. TyB Editores, 2006.
-Entrevista de Godard a Artvazard Pelechian.
-Temporalidades y narrativas: La herencia del cine directo y del cinema véritè. Libro: Documental y vanguardia. Casimiro Torreiro y Josetxo Cerdán. Cátedra, 2005.
-Las modulaciones del “yo” en el documental contemporáneo. Libro: Cineastas frente al espejo.

 

BIO Martín Solá (1980).

Realizó sus estudios en el CIEVYC y el Master en Documental de Creación deL Observatorio de Cine en la ciudad de Barcelona.

Desde 2008 ejerce como profesor en el Observatorio de cine (Barcelona/Argentina).

En 2010 estuvo a cargo del taller de realización en la universidad “Rey Juan Carlos” junto con profesores como Nicolás Philibert, Carlos Muguiro y Luciano Barisone entre otros. El resultado fue el cortometraje 1360 metrosproyectado en Documenta Madrid 2010.

Entre sus films se encuentran Àpát a casa de familia (25 minutos), Caja cerrada (76 minutos) y Mensajero que recibió el premio del “Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias 2011”. B.A.F.I.C.I. Selección Oficial Cine del Futuro-Buenos Aires-Argentina 2011.

Taller intensivo: conocer la obra a través de las palabras.

Por Josefina Zuain

Duración un fin de semana.
 

Sabado 9 y Domingo 10 de Julio de 11 a 17  
 

Costo 200 pesos el curso completo
 
La intención del taller es abordar la propia poiesis a través del autorreconocimiento del discurso propio. Por medio de ejercicios de escritura concretos, juegos de palabras y lecturas, se pretende establecer las problemáticas que aparecen a la hora de edificar una escritura capaz de transmitir, mínimamente, el enigma del arte.
La idea es que el taller sea un espacio en donde las palabras hagan aparecer la obra de arte, establezcan su presencia y permitan imaginar su percepción.
 
Objetivos:

• Que los artistas cuenten con un cuerpo de textos sólidos y de carácter profesional.

• Que los artistas desarrollen, por medio de la experiencia, la capacidad de establecer los parámetros que definen su propio trabajo.

La profesionalización del arte arrastra consigo la instancia de la concientización de la práctica en cuanto actividad específica. La práctica del arte se vuelve una actividad que encuentra sus fundamentos y su fundación en sí misma, per se. El artista profesional hoy ha de saber presentar su trabajo por medio de textos coherentes, cohesivos y contundentes.
La forma de trabajo en el taller es el establecimiento de formas de colectivización oral de las sensaciones/experiencias que las obras proponen para, luego, llegar a una escritura clara, despejada y contundente que funcione como acceso a la actividad creadora que se pretenda presentar por medio de un texto.

Formatos de textos que se van a trabajar durante el taller:

• Biografía artística. (Trayectoria vs. Trayecto)
• Descripción Breve. (Lo específicamente específico)
• Statement. (Palabras declarativas)
• Redes conceptuales. (Filiaciones y preferencias)
• Mi presentación. (Una performance didáctica)

Se admiten hasta 15 participantes. Reservá tu lugar escribiéndonos a meridion.meridion@gmail.com


Bio Josefina Zuain.
Su vida está plagada de instancias de perfeccionamiento, entre las que se encuentran la Beca Antorchas para el Análisis y Producción de obra, Plan Interactivos 2008 y 2010, Beca ECUNHI- FNA, Talleres internacionales del CCEBA, Beca Nacional FNA, varias jornadas, algunos encuentros, incontables seminarios y otros.
Nació hace 26 años, el día de los enamorados, en la ciudad de Bahía Blanca. Se encuentra terminando la Lic. y el Prof. en Artes de la UBA. Participó de clínicas de artes desde que era adolescente,  paseándose por las miradas de Pablo Siquier, Tulio de Sagastizabal, Gustavo Lopez, Santiago García Navarro, Rodrigo Alonso, Mariano Sardón, Pablo de Monte, Andrés Labaké y Marcelo Pelissier, entre otros.
Sus intereses merodean las diferentes áreas del arte, tomando siempre como eje la noción de complejidad que determina los modos de ser dentro de este mundo que la apasiona.
Es investigadora (y lo dice porque ha recibido becas para este fin) y escribe textos curatoriales y críticos en diferentes ocasiones, siempre con el propósito de ordenar sus pensamientos.
Es artista (sólo a veces le da vergüenza decirlo) entre sus proyectos artísticos favoritos le gusta compartir: misdonaciones.blogspot.com y buenisssimo.net

Foto Janek Schaefer - TriPhonic Turntable  - 1997 

Arte Sonoro: prácticas en los umbrales del arte contemporáneo

Por Mene Savasta Alsina

Duración 4 clases de dos horas cada una

Horario martes de 19 a 21 hs. COMIENZA EN JULIO

Costo 250 pesos el curso completo

Las obras de Arte Sonoro surgen en los umbrales, en las zonas de transacción entre disciplinas. Cuestionan los límites de las figuras del artista plástico y el músico y configuran modalidades de obra muy diversas, como instalaciones, esculturas, performances, intervenciones y obras specific-site. Así también, las obras de arte sonoro definen nuevos modos de recepción y en muchos casos problematizan la especificidad de los espacios de exhibición.

Atendiendo a estas ideas, el presente curso se propone ofrecer un recorrido histórico por aquellas prácticas que delinean la categoría de Arte Sonoro en el advenimiento de la contemporaneidad. A través del análisis de casos específicos y el debate sobre textos teóricos, se procura dar cuenta del conjunto de operaciones que definen la circulación social del Arte Sonoro, observando las articulaciones transdisciplinares que lo constituyen y los distintos modos de emplazamiento espacio-temporal a partir de los que esa práctica artística se manifiesta en sus versiones internacionales y locales.

Bio Mene Savasta Alsina es artista sonora, docente e historiadora del arte. Inicia su vínculo con la música y la acústica desde una temprana edad, prolongándolo a la actualidad a través de diversos proyectos que la ubican como compositora, intérprete y realizadora. Realiza sus estudios universitarios en la Facultad de Bellas Artes, UNLP, obteniendo el título de Prof. en Historia de las Artes Visuales. Actualmente se está doctorando en Arte Contemporáneo en la UNLP, siendo el tema de su investigación el Arte Sonoro en Argentina y Latinoamérica. Es además miembro fundador del colectivo artístico, MARDER

Desde el 2006 forma parte de la cátedra de Producción de Textos (Facultad de Bellas Artes, UNLP). También es docente ajunta de Arte Tecnológico en la Universidad Maimónides, junto al Ing. Joaquín Fargas. Entre el 2005 y 2009 se desempeña como docente en la materia Historia de los Medios y Sistemas de la Comunicación Contemporáneos (FBA UNLP). Durante el 2009 es asesora de la Galería de arte Club Provincia.

Como artista sonora investiga la espacialización del sonido a través de la realización de instalaciones y performances specific site. Su obra se exhibe en Pure Evil Gallery de Londres (2011), en el Centro Cultural Gral San Martín (2010), en IMAGO (2007), entre otros espacios. Junto con r353, grupo de improvisación musical y visual, realiza performances desde el 2007 . Encabeza el proyecto musical Operadora, donde se fusiona la tradición de la canción con la música electroacústica y la improvisación, en torno a sus composiciones. Participa también del grupo El Tronador. 

Taller de Enjambre de Guitarras

Por Leandro Barzabal

Duración: tres encuentros de tres horas cada uno + muestra de la creación colectiva.

Horario martes de 10 a 12 hs. COMIENZA EN JULIO

Costo 300 pesos el curso completo

Se trata de una aproximación a la creación colectiva partiendo de un instrumento en común : la guitarra eléctrica. La idea del taller no tanto la transmisión de un lenguaje, sino la creación de un lenguaje en conjunto para generar una comunicación fluida y desarrollar una obra. Dentro de un lenguaje abierto como es la improvisación se abordarán diferentes maneras no convencionales de acercarse al instrumento. Esta aproximación permite que se encuentren tanto músicos con formación académica, así como entusiastas que por primera vez tienen el instrumento en sus manos. Cada cual aportará una visión y técnicas que serán apreciadas por igual, teniendo en cuenta la multiplicidad de maneras de aproximarse a la música en el contexto actual.Desde la figura del director del enjambre se tratará de coordinar y proponer distintos tipos de ejercicios de escucha y colaboración.Objetivos : crear un sistema de señas y parámetros de común acuerdo para poder lograr cohesión dentro de la música improvisada. Una vez conseguido esto, crear una pieza en conjunto para poder realizar un pequeño concierto al finalizar el taller.

Bio Leandro Barzabal. Músico. Creador de obras musicales y performáticas desde el año 2001, siempre dedicado a la experimentación y la contrapartida del espectáculo. Ha colaborado con varios músicos argentinos y extranjeros como Lasse Marhaug, Anla Courtis, Toshimaru Nakemura, Lucio Capece, Pablo Reche, Jason Kahn, Leonel Kaplan o Zvigniev Karkowski. Actualmente trabaja como director del grupo Enjambre de Guitarras, así como presentando obras e improvisaciones solista. Vive en la ciudad de La Plata. 

Dirigido a fotógrafos:
Jornada práctica de Colodión Húmedo en MERIDION acA cargo de Travis Hocutt http://www.assortedattempts.com/
Será este sábado 14 de mayo de 9 am a 17 pm en Chile 1331, Montserrat.Trabajaremos directamente sobre el proceso de emulsión de placas.
El encuentro consistirá en varias horas de práctica en las que cada uno de los participantes realizará una placa de colodión húmedo en vidrio. Trabajaremos con 2 o 3 cámaras de placa.
Sugerimos que piensen una foto de antemano, y si quieren traigan algún elemento o vestuario para las tomas. Podremos hacer retratos, tomas del lugar, tomas Macro.Tendremos una pausa al mediodía para almorzar. 
La duración de la jornada es estimada, puede prolongarse dependiendo de la dinámica del equipo, y el tipo de tomas que ustedes deseen realizar. 
 Los materiales están todos incluidos.Costo total del encuentro 500 pesos (almuerzo incluido)
Es necesario reservar la vacante antes del viernes al 1557614116ya que el grupo es reducido, y está completo en parte.
Colodión Húmedo
Creación del artista Frederick Scott Archer en 1848, el Colodión Húmedo fue uno de los primeros procesos fotográficos. Reemplazó al daguerrotipo por la posibilidad de reproducir la imagen y al calotipo por su “alta” definición y sensiblidad.
El proceso consiste en limpiar una superficie (vidrio, aluminio, hierro) y emulsionarla con una solución de sales en colodión, para luego sensibilizarla placa en un baño de nitrato de plata. 
La denominación húmedo proviene de la necesidad de realizar la toma dentro de los minutos siguientes al emulsionado.
Es y fue utilizado por artistas de la talla de Sally Mann, Robert Maxwell,
Gustave Le Gray, Mathew Brady, Carleton Watkins, y Lewis Carroll entre otros. 

Travis Hocutt es un joven artista norteamericano que trabaja desde algunos años
con procesos antiguos. Estudiante avanzado de la escuela de Artes de Boston, 
se dedica a la enseñanza de procesos fotográficos alternativos y realización 
artesanal de libros. Actualmente trabajo junto al artista Christopher James. 


http://www.assortedattempts.com/

http://www.christopherjames-studio.com/

Fotografía: historia y estética de una práctica

Por Guadalupe Gaona

Duración dos meses

Horario jueves de 18 a 20 (comienza en julio)

Costo 300 pesos el curso completo

La imagen fotográfica

Introducción a la noción de imagen. Especificidad de la imagen fotográfica. Ontología de la imagen fotográfica. Los presupuestos técnicos de la fotografía. La cuestión de la analogía. Diferencia entre fotografía y cine, fotografía y pintura.

Historia y estética de la fotografía

La cámara oscura. 1839: los primeros descubrimientos para fijar una imagen. El daguerrotipo. El calotipo. La popularización del retrato. Los retratos de Nadar. La conquista de la acción. Fotografía pictorialista vs documentalismo. El concepto de inconciente óptico de Walter Benjamin. Fotografía y surrealismo. El significado y la historia de la fotografía en Sobre la fotografía de Susan Sontag. Lászlo Moholy Nagy.: pintura, fotografía y cine. Los fotógrafos: Eugène Atget, André Kertész, Jacques Henri Lartigue, y otros. Además: Walker Evans, Robert Frank, William Eggleston, Stephen Shore,  Diane Arbus, Richard Avedon, Duane Michals.

La fotografía en el arte contemporáneo

Tendencias en la fotografía artística. La Creación de un acto para la cámara: la influencia del arte conceptual en la fotografía. Estudio sobre las fotografías de Philip Lorca di Corcia y  Sophie Calle. La narración en una imagen. Jeff Wall, Philip Lorca di Corcia, Sharon Lockhart y Sarah Jones.  Dead Pan: La mirada impasible. La vuelta al gran formato. La representación del  espacio. (Fotografía Alemana. Los alumnos de Bern y Hilla Becher: Thomas Struth, Thomas Ruff, Candida Höffer, Andrea Gursky.)  El retrato: De August Sander a Rinike Dijkstra. Vida íntima: Nan Goldin, Nobuyoshi Araki, Wolfgang Tillmans, Takashi Homma, Rinko Kawauchi. Otras formas del paisaje: Wakaba Noda.

Guadalupe Gaona es Licenciada en Artes (Facultad de Filosofía y Letras. UBA) y fotógrafa. Desde 2002, desarrolla proyectos artísticos participando en muestras colectivas e individuales en los espacios Centro Cultural Rojas, Alianza Francesa, CCEBA, Belleza y Felicidad, Espacio Multiarte, Buenos Aires Photo, Galería Laura Haber, entre otros. Fue seleccionada en el premio Petrobras 2006, en la Bienal de fotografía, Galería Arte x Arte 2008.En el 2009, publica su primer libro Pozo de Aire (fotografía y poesía), Editorial Vox, con el apoyo del Fondo Metropolitano de las Artes (2008).En el 2010 gana el concurso de la editorial española-mexicana RM para la publicación de su libro Quieta.

Se  desempeña como docente en la materia Teoría y Medios de la Comunicación de la Licenciatura en Artes (UBA), y dicta el seminario Fotografía: ontología, historia y estética de una práctica en el IUNA (Instituto Universitario Nacional de Arte). Actualmente cursa la maestría “Historia del Arte Argentino y Latinoamericano” (IDAES. Universidad de San Martín.

Trabajó  como editora de fotografía en distintos medios nacionales, y como fotógrafa free-lance para distintos medios nacionales e internacionales (Gatopardo, Inrockuptibles, Internazionale, Soho, Kulturaustausch) . Desde el 2008 al 2010 fue editora de fotografía y  fotógrafa de las secciones Cultura y Espectáculos del diario Crítica.

El Bochicho. Un curso sobre poesía visual en doce encuentros.

Por Ezequiel Alemian y Sebastián Bianchi.

Duración 8 clases de dos horas cada una

Horario sábados de 11 a 13 hs. COMIENZA EN JULIO

Costo 500 pesos el curso completo

Sebastián Bianchi (1966) es docente en el área de arte y comunicación. Publicó recientemente Manual Arandela y Poemas INC. Administra el sitio www.poemas-inc.blogspot.com.

Ezequiel Alemian (1968) es periodista y escritor. Publicó narrativa, poesía y textos varios. Codirige el proyecto editorial Spiral Jetty (www.spiraljettyed.blogspot.com).

Taller de HTML y Javascript. Usos creativos de la web.

Por Alejo Rotemberg.

Una introducción a la creación de páginas web a través del ya
viejo sueño de una escritura audiovisual e interactiva.

¿A quien está dirigido el curso?

A toda persona con inquietudes expresivas que quiera indagar en el
campo de la web y comenzar a crear sus propias páginas.

Objetivos:

- Brindar herramientas para la creación de contenidos web desde una
perspectiva creativa, lúdica y expresiva.

- Trazar un panorama del desarrollo histórico-técnico de la web y de
las propuestas expresivas que la utilizan como soporte

- Analizar diferentes estrategias poéticas y narrativas, y tender un
puente de dialogo con disciplinas como la poesía visual, el cine, el
cómic y otras formas de narración visual.

Propuesta didáctica:

El Taller propone un acercamiento a usos creativos de la web como el
net.art y la poesía visual. En las clases se dedicará un tiempo a
repasar la historia de Internet y de los géneros de arte digital
surgidos con ella, y luego se abordarán temas técnicos con un
enfoque práctico para que los asistentes experimenten a través de
ejercicios y con sus propios proyectos, en los que progresivamente
irán incorporando las nuevas técnicas.

Tecnologías que se verán dentro del curso:

HTML, Javascript, CSS

Contenidos y programa clase a clase:

Clase 1: Historia de la web y el hipertexto. Introducción al HTML.
Uso de tags. Links, imágenes y texto. Cómo armar una página y
subirla a la web. Clientes FTP.

Clase 2: Historia del net.art. Obras de Vuk Cosic: el arte
interactivo. CSS: presentación, formas de incluirlo en nuestras
páginas, selectores, atributos. Tipografías.

Clase 3: De la poesía visual a la poesía web en Argentina y Uruguay.
CSS: Box Model y Posicionamiento.

Clase 4: Clase de repaso de HTML y CSS. Espacio para que los
estudiantes trabajen en clase y consulten sus dudas.

Clase 5: Olia Lialina, narraciones hipertextuales. Eventos HTML.
Presentación de Javascript, su potencial para sumar dinamismo a la
interactividad. Swapping de imágenes y texto.

Clase 6: DOM. Creación de galerías de imágenes por javascript.

Clase 7: Montaje de imágenes. Vanguardia soviética (Kuleshov,
Eisentein). Funciones. Temporización a través de Javascript.

Clase 8: Breve historia de la evolución de los estándares y los
problemas de compatibilidad entre navegadores. Uso del sonido.

Alejo Rotemberg nació el 3 de Junio de 1979 en Buenos Aires. Egresado del Colegio
Nacional de Buenos Aires. Es Diseñador de Imagen y Sonido (UBA); trabaja como ilustrador (http://arilustraciones.blogspot.com/) y programador de videojuegos y contenido interactivo para la web. Estudió pintura con el maestro Eolo Pons y formó parte de la galería de arte “La Oficina Proyectista” durante los años 2006 y 2007 (http://www.oficinaproyectista.blogspot.com/). Es miembro del colectivo artístico “La Mudadora” (http://www.lamudadora.blogspot.com/). Participó en exhibiciones
individuales y colectivas con pinturas, intervenciones, lecturas y shows musicales.
En 2004 publicó Proyecto Proyectos, novela escrita junto a Pablo Caracuel y editada por la Universidad Nacional de San Luis.
Dibujos y animaciones: http://arilustraciones.blogspot.com/

Información del curso

Duración: 2 meses (8 clases).

Horario jueves 19 hs.

Costo: $500 (curso completo)